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미술작품은 “예술가”, 즉 불가사의하고, 수수께끼같고 신비롭기까지 한 존재로부터 태어난다. 진정한 작품은 예술가로부터 분리되어, 자율적인 삶을 획득하며, 영혼의 숨결로 인해서 살아있는 독자적인 개체, 즉 진정한 의미에서 살아있는
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미술이라는매개체를 통해 시각적으로 인식하고 그 의미를 찾을 수 있게 미결문제를 끌어 내는 작업이다.
내담자에게 그림을 그리는 작업뿐만 아니라 치료사가 아닌 내담자 스스로가 자신이 만든 작품에 대한 이해와 인식을 요구하는 것이다.
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미술작품을 하나의 대상이라기보다는 ‘지속’으로 간주했고, 미리 전제되지 않은 이미지가 ‘과정’으로부터 나타나도록 했으며, 특히 미술에서 ‘직접성’을 강조하였다.
앤디 워홀을 위시한 팝아트는 본질적인 의미의 ‘미국회화’라는
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자율성을 주장하며 구조적 형태로 규명되고 통합되는 것이 훌륭한 미술작품이라고 여겼다. 심리상태의 묘사나 그림의 주제, 어떠한 장면의 재현 등은 비본질적 요소들로서, 제거해야 할 대상이었으며 그 결과 회화적 요소들이 맺는 관계인
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미술은 상상력의 세계를 탐구한다.
이들 세가지 사조는 어떤 특정한 양식에 따르는 것이 아니라 일반적인 인간의 기본 태도에 따르는 것이다. 표현주의 화가의 주된 관심사는 인간의 공동사회이며, 추상미술 화가의 경우는 실재의 구조이며,
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미술작품을 통해 개인의 상태를 진단하는데, 이는 개인의 욕구 감정 등 내면상태가 그림이나 미술작품으로 표현되기 때문이다. 진단도구로서 미술은 일종의 투사적 기법으로서 그림의 내용 형태 색 의미 등을 통해 아동발달의 수준과 장
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것들이 있는지 미리 점검하는 것도 의미가 있을 것이다. 1. 청각장애아동의 미술 활동지도
2. 시각장애아동의 미술 활동지도
3. 정서장애아동의 미술 활동지도
4. 지적장애아동의 미술 활동지도
5. 지체장애아동의 미술 활동지도
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작품 보존의 문제를 제기되고 있다. 이러한 재료구사의 소홀로 인한 결과는 우리 미술사에 커다란 아쉬움을 남기고 있으며 전통적인 한국화의 방법이란 점에서 국제적인 보편성에서는 진폭의 한계가 느껴진다.
참고문헌
* 한국현대미술의
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작품을 만드는 자체를 치료의 과정으로 대상에 따라서는 상동적인 표현이나 강박적인 표현, 왜곡된 표현들을 통해서도 예술적 성취감을 경험하게 된다.
결론적으로 미술치료는 일상의 삶에 일탈된 내담자들에게 미적, 창의적 활동을 통해서
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모방적 색채가 아닌 자기가 원하는 색채를 마음대로 선택해서 칠했다. 자연세계를 모방할 필요가 없는 중세의 미술가들은 눈이 아닌 마음으로 보는 법을 통하여 작품을 제작했던 것이다 1. 팀파눔 - 반원형 지붕벽화
2. 프레스코화 양식
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