아르누보

소개글

아르누보에 대한 보고서 자료입니다.

목차

아르누보 (Art Nouveau)

1. 아르누보의 정신과 개념
2. 아르누보의 생성배경
3. 아르누보의 조형적 특성
4. 아르누보의 작가
1) 안토니 가우디 (Gaudi y Cornet, Antonio, 1852～1926)
2) 빅토르 오르타 (Horta, Victor. 1861～1947)
3) 기마르 (Guimard, Hector, 1867～1942)
4) 찰스 레니 매킨토시 (Mackintosh, Charles Rennie, 1868～1928)
5) 구스타프 클림트 (Klimt, Gustav, 1862～1918
6) 앙리 드 툴루즈-로트렉
7) 알퐁스 뮈샤 (Alphonse Maria Mucha, 1860～1939)
8) 에밀 갈레 (Emile Galle, 1846～1904)
9) 루이스 컴포트 티파니 (Tiffany, Louis Comfort, 1848～1933)
5. 아르누보의 분야별 영향
1)건축
2)조각
3)회화
4)공예
6. 아르누보의 평가와 쇠퇴

본문내용

색채 및 굴곡진 윤관선에 영향을 받았다.
4) 공예
아르누보 예술가들의 '모든 예술의 통합'이라는 노력이 공예를 통해 꽃피웠기 때문에 이 시기의 조형적 걸작품은 공예부문에서 가장 많이 보였다. 단순한 예술 작품의 창조가 아니라 사회생활에 알맞는 환경을 제공하게 될 부문들이나 요소들의 조화롭고 종합된 복합체를 목표로 하였던 것이다. 공예의 주요부분은 가구이고, 그 외에도 금속공예, 스테인드글라스, 램프, 유리, 장신구 등 다양하다. 대표적으로 가구의 특성을 보면, 유기적 모티브를 조용하고 섬세하게 사용했는데, 식물형태에서 보면 줄기가 반복되고 수직선들이 우아하게 굽은 마디에 의해 접합 부분에서 단절되거나, 여린 가지를 엉키게 하거나 가지들을 번성하게 하는 방법으로 형상화시켰다.
6. 아르누보의 평가와 쇠퇴
아르누보의 양식은 첫째, 자연물의 유기적 형태로부터 모티브를 찾아 이것을 양식화하여 장식미술에 적용했기 때문에 양식적인 면에서는 비대칭적이고 생동적이어서 과거의 장식미술에 비하면 새로운 감각을 부여하였다. 둘째, 과거의 장식에서 탈피하여 혁신적인 탐색과 혁신을 통해서 미술은 모든 생활에 실용화하려 했으나, 작가의 개성과 장식과다의 형태에 치우쳐 결과적으로는 사치스럽고 환상적이며, 여성적이고 심지어는 쾌락적이기까지 한 곡선적 과잉장식의 ‘매너리즘(Mannenism)’에 빠지게 되면서 비난을 받는다. 셋째, 과거의 역사적 양식으로부터 탈피를 목적으로 하여 형태, 색, 장식, 용도, 재질의 적합을 주장하였으나, 후기에는 구조를 무시한 변화 많은 장식에 치우쳐 있었기 때문에 기계에 의한 대량 생산에는 부적합하다는 문제점이 대두되었다. 넷째, 미술공예운동보다 발전적이라고 볼 수 없지만, 모리스 이념의 다른 한 측면이라고 할 수 있으며, 새로운 미를 창조하려 했던 측면과 과거 양식에서 탈피하려 했던 양식혁명의 정신에 커다란 역사적 의의가 있다. 다섯째, 비엔나의 ‘아방가르드(Avant Garde)’ 운동에 영향을 주었으며, 비엔나 분리파 운동은 곡선적인 아르누보 양식에서 벗어나 직선적인 기하학적 양식으로 발전됨으로써 바우하우스의 기하학적 다자인에 이르는 역사적인 발전단계로 평가된다. 여섯째, 새로운 시대의 일시적인 취미에 불과하였고 기계시대에 기능주의 전통이 정착하는 과도기적 현상으로 밖에 볼 수 없으며, 결과적으로 장식에서 벗어나지 못하여 기계시대에서는 불가피하게 단명했지만, 생활제품의 실용을 위해서는 새로운 양식을 추구하였다는 점에서 혁신적이었고, 현대 디자인의 또 다른 하나의 배경이 되었다.
아르누보는 확실히 새로운 양상이기는 하지만 혁명운동치고는 너무 보수적이고, 사회적 요구를 충족시키지 못하였기 때문에 뿌리가 없는 표면상의 예술운동에 지나지 않은 감이 있다. 그래서 영국에서는 빅토리아 스타일과 근대와의 과도적 스타일로 보아왔고, 따라서 모리스들의 ‘미술공예운동’과도 비교되는 운동이다. 모리스의‘미술공예운동’은 예술가의 정당한 지위의 확보와 공예에 대한 합리적인 태도를 가질 것을 위하여 과감히 투쟁한 큰 공헌이 있으나, 아르누보는 피상적이며, 예술지상주의자들의 직접적인 표상(表象)으로 더 큰 운동으로서의 중요성이나 사회성은 찾을 수 없다.
미술 공예 운동이 중세라는 이상에 근거하여 수공예를 통한 생활의 개혁을 지향한 것이라면, 아르누보는 자기를 그린 장식과 환상을 바탕으로 이를 실천하려 한 운동이다. 그러므로 아르누보는 과거에서 이상을 찾기보다는 자기를 추가한 것이며, 실재하는 육체가 아니라 정령(精靈)을 형상화하였다. 때문에 아르누보의 예술에서는 현실 자체를 소재로 한 것이 드물다. 동시에 아르누보는 장인적 생산 체계를 도입하여 근대의 기술을 병합하려 했다는 점에서는 공업 사회의 예술이지만, 결국은 작가와 주문자의 취미의 세계에 머물고 합리적인 근대 사회에 충분히 대응하지 못했다는 결함을 지닌 예술 운동이었다.
20세기에 들어서면서 아르누보는 쇠퇴하기 시작되었다. 아르누보의 작품들과 가구들은 한정되어있고 유일한 것이었다. 포스터와 잡지의 그래픽 디자인으로 아르누보가 대중화되자 많은 양이 제작되었고 필연적으로 질이 떨어지게 되는 현상을 가져왔다. 장식의 그 본질적 의미는 생각하지 않은 체 표면적인 장식의 스타일만을 본뜬 모방자들의 조악한 제품을 생산함으로써 그 가치는 최하의 수준으로 떨어졌다. 1차 세계대전으로 자연히 소멸되어갔으나 지금 그 운동의 소재, 방법, 의의를 지향하는 아르누보의 기본 태도를 받아들인 20세기의 디자이너에 의해 변모, 발전해갔다.

키워드

아르누보,   미술사,   미술공예운동,   공예사,   디자인사