퍼포먼스(performance)의 연출

소개글

퍼포먼스(performance)의 연출에 대한 보고서 자료입니다.

목차

가) 배경

나) 퍼포먼스의 작가들

본문내용

Prince』가 여러 도시를 순회하며 공연되면서부터이다. 1970년 무렵에는 스타니슬랍스키와 대등한 명성을 얻게 된다.
그로토우스키의 연극은 두 개의 핵심적 관념에서 출발하는데, 첫째 연극은 제의적, 공동체적 체험이라는 것과, 둘째 연극은 필수적 요소들로 최대한 압축되어야 한다는 것이다. 그에게 있어서 연극은 세속적 의식과 같은 것으로서 종교적인 원형적 인간의 체험을 드러내 보이는 것이어야 한다. 그러나 아르또의 연극이나 소위 \'총체연극\'처럼 잡다한 기교들을 동원하지 않고 비본질적 요소들을 가능한 한 제거한 가난한 연극을 지향한다. 따라서 그의 연극에서는 무대시설도 필요 없고 복잡한 조명 대신에 고정된 전등만으로 족하며 배우의 분장, 의상, 소품도 필요 없고 단순한 기능적 장치물에 배우의 음성과 육체만이 중요하다. 그래서 그로토우스키는 배우의 훈련을 가장 중시하여 장기간에 걸친 뼈를 깎는 수도자적(修道者的) 훈련을 통해서 신체적, 음성적 표현능력의 계발을 실시한다. 배우들은 공연 중에 그들의 행동과 말과 소리와 동작을 통하여 관객의 잠재의식 속의 연상작용을 일깨워 주기 위하여 애쓴다.
그로토우스키는 엄격하게 선택된 1,2백명 이내의 관객만을 대상으로 하여 그의 연극의 관람객이자 증인의 역할을 부여하지만, 의 경우처럼 극행위에 직접 참여시키지는 않는다. 이런 수법은 관객에게 자의식을 갖게 할뿐이라면서 그로토우스키 자신은 배우나 관객 모두로부터 정직하고 무의식적인 연기와 반응을 얻고자 애쓴다. 이 같은 그로토우스키의 연극은 당장에 남들도 응용할 수 있는 확립된 시스템이 아니라 계속 다듬어지는 과정에 놓여 있는 것이다. 그럼에도 그의 연극이 실증해 보여준 기교적 완성미와 완벽한 앙상블은 전세계의 진지한 연극인들에게 심대한 영향을 주었다.
그로토우스키의 영향이 전해지기 훨씬 전부터 직접적으로 연극과는 관련이 없으면서도 모든 예술에 그로토우스키 못지 않게 커다란 영향을 끼친 또 하나의 예술운동이 1950년대 후반에 싹튼 \'해프닝\'(happenings)이다. 해프닝은 20세기 전반의 모든 전위예술들의 온갖 특성들이 결합하여 만들어진 것처럼 보이는데, 그 선구적 역할을 한 인물은 작곡가인 캐이지(John Cage, 1912∼ )이다. 그는 일찍이 1952년에 『4\'33\"』라는 작품을 발표했는데 피아니스트가 무대에 등장하여 피아노 앞에 4분 33초 동안 앉아 있다가 퇴장한 것이 작품내용의 전부였다. 캐이지에 의하면 그 시간 동안에 관객이 들은 모든 소리들이 그의 음악이었다. 그는 \"오늘날 예술가들의 책무는 지각의 각성을 심화하고 변동시킴으로써...실제의 물리적 세계에 대한 의식을 일깨우고 고치는 것이다\"(Obligation of the arts today is to intensify, alter perceptual awareness and, hence consciousness...of the real, material world.)라고 말했는데 예술가는 오래 남을 예술작품을 창조하기보다 관객들로 하여금 현재의 환경을 깨우치도록 자극을 주어야 한다고 생각했다. 그에 의하면 예술가가 사전에 어떤 의도를 가지고 그것을 관객에게 전달하려는 것은 옳은 것이 아니다. 왜냐하면 인생 자체 안에 의도라는 것이 없기 때문이다.
해프닝이란 말을 처음 사용한 것은 1959년에 『18 Happenings in 6 Parts』라는 작품을 발표한 화가이자 미술 사가(史家)인 캐프로우(Allan Kaprow)였다. 캐프로우는 환경에 대한 관심으로부터 출발했는데 그는 예술작품이 감상될 때 관여하는 모든 환경을 작품의 일부로 포함하였다. 그러나 그의 공연은 캐이지와는 달리 사전 의도에 의하여 치밀하게 계산된 것이었다. 관객들에게도 매우 구체적인 임무들이 주어졌다. 무용가인 커닝햄(Merce Cunningham, 1922∼ )역시 현대 무용에서 해프닝적 시도를 하였는데, 그의 춤은 일상적 생활동작들로 꾸며졌으며, 음악의 리듬을 무시했고, 무용수들은 개별적으로 각기 다른 춤을 추도록 하였다. 핼프린(Ann Halprin,1921∼ ) 또한 관객들과의 공동창작을 시도하면서 모든 종류의 지각을 공연에 동원하였다. 그밖에 \'cinema verite\'로 불리는 새로운 영화운동은 배우가 아닌 실제인간들의 일상생활을 필름에 담는 작업을 해 보였다. 이렇게 다양한 사람들에 의하여 다양한 쟝르와 다양한 기법들이 동원되는 가운데 해프닝에 관한 개념규정은 대단히 모호해지고 폭이 넓어져서 즉흥성과 우연성이 개재되는 모든 행위(예술 뿐 아니라 심지어 시위까지)들이 막연히 해프닝이라고 불리게 되었다.
그러나 1960년대 후반에 이르러 해프닝에 대한 관심이 다시 고조되면서 연극에 대해서도 지속적인 영향을 미쳤는데 중요한 점들만을 추려보기로 하겠다. 우선 공연장소에 대한 관념의 확대에 기여했으며 관객들의 관심이 완성된 작품으로부터 창작의 과정으로 옮겨가면서 관람의 태도도 구경에서 참여로 바뀌어 갔다. 따라서 예술가의 의도보다는 관객에게 일어난 각성이 더욱 중요해진다. 그리고 관객의 주의가 한 곳으로 고정되는 것이 아니라 동시다발적으로 흩어지게 된다. 공연의 의미 또한 관념적(conceptual)이 아니라 지각적(perceptual)이 되고 줄거리나 인물은 사라지고 참가자들의 임무수행이 공연의 내용을 이루게 된다. 그리고 끝으로 해프닝은 다매체 이벤트(multi-media events)로서 예술 장르간의 벽을 허무는데 기여했다. 이 같은 해프닝은 물로 1960년대의 대안연극에도 영향을 끼쳤으나 1970년대 이후의 퍼포먼스를 논의하는 마당에 거론하는 이유는 해프닝은 사회 참여적 성격보다는 미학적 성격이 더 강하기 때문이다.
이와 마찬가지로 1970년대 이전에 이미 70년대의 퍼포먼스를 예견케 한 중요 극단이 있으므로 잠시 60년대로 거슬러 올라가 선구적 극단인 로부터 70년대 이후의 퍼포먼스의 양상을 살펴보기로 하겠다. 1963년에 셰이킨(Joseph Chaikin,1935∼ )등이 창설한 는 공연 위주의 극단이라기보다는 실험에 몰두하는 워크

키워드

포스트모던 연극의 연출,   퍼포먼스,   연출,   performance