미술교수법적 관점의 발달과 의의

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목차

미술교수법적 관점의 발달과 의의

미술을 매개로 한 교육적, 치료적 작업은,,.


참고자료
1장. 미술치료의 개념과 역사적 고찰
1. 미술치료의 개념
2. 미술치료의 역사적 고찰

2장. 미술치료의 이론적 모델
1. 미술교육 - 미술교수법적 관점
- 페스탈로치(1746-1827)
- 헤르바르트(1776-1841)
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본문내용

료수단으로 적용하였다.
19세기에는 미술교육과 미술교수법이 자연묘사력, 외적인 아름다움과 균형을 중시한 반면, 20세기 초부터 미술교육가들은 그 시대의 미술조류가 된 표현주의 화풍과 프로이트의 심층심리학에 영향을 받아 미술교육에 그러한 관점들을 실제에 적용하려 하였다. 또한 이 시기부터 성인만의 미술이 아니라 원시미술, 아동미술, 성인과 아동미술의 비교 등이 관심의 대상이 되었다. 이러한 경향에 따라 아동은 어린이다운 감정과 감각을 미술을 통하여 직접적으로 표현하여야 되며, 선과 형태와 색채 등은 그러한 감정을 표현하기 위해 사용된다는 것이다.
20세기 초에 이러한 관점을 받아들인 미술교육가들은, 아동의 어린이다운 표현을 통제하고 주어진 과제에만 충실해야 하는 전시대의 미술교수법에 대해 비판을 하면서 새로운 개혁을 시도하였다. 즉 미술교육가들은 아동들에게 성인의 관점에서 보는 미술의 기술과 기법의 숙련을 강요하고 그들의 관점에 따른 주제를 제시하기 보다, 아동들 자신의 창의적이고 상상력이 풍부한 충동들을 두려움없이 표현할 수 있도록 격려하고자 하였다. 그 시대의 개혁적인 미술교육가들은 미술교육목표를 미술작품이 객관적이고 아름다워야 하는 외적인 것보다, 아동들이 경험한 것을 자유롭게 표현할 수 있는, ‘아동의 내면적인 눈’ 에 더 관심을 가졌다. 즉 그들은 아동의 본성에서부터 표현될 수 있는 미술교육방법들을 모색하였다. 이러한 개혁적 관점의 대표적인 미술교육가로는 오스트리아의 미술교육가인 치첵을 들 수 있다. 그는 아동그림의 형식과 기법은 무엇보다 아동들이 외적인 영향에 방해를 받지 않고 자신들의 욕구에 따라 자유롭게 표현할 수 있어야 된다는 것을 강조하였다.
또한 이 시기에 독일에서 형성된 바우하우스의 조형교육이 추구하는 목적과 교수법도 미술치료에 영향을 주는 교육으로 받아들여질 수 있다. 대표적 미술교육과 이텐은 바우하우스 창립에 중요한 인물로서 종합조형교육의 책임을 맡은 교수였다. 이텐은 지적 영역보다 정서적 영역에 의해서 더 많이 표현되는 그림의 운동성과 형태, 인간의 정신과 영혼과 신체의 상호작용이 예술적 성취를 위한 결정적 기준이 된다는 것을 조형교육의 근본적 취지로 삼았다. 이텐은 이러한 관점에서 감각경험을 조형활동의 성취를 위한 중요한 전제조건으로 본다. 이에 따라 그는 조형수업을 할 때 먼저 체조 연습부터 시작하였는데, 이것은 학생들이 무질서한 신체동작을 발산해버리고, 신체전체를 활발하고 균형 있게 움직이는 것을 느끼고 체험하기 위한 것이다. 학생들은 감각을 통한 신체를 이완하고 난 뒤에, 다양한 영역에 조화를 이루는 미술연습을 한다. 예를 들어 두 손으로 그리기, 신체운동 조절, 사용하지 않는 손의 훈련, 명암 대비 훈련, 색 체험, 시각과 촉각의 민감성 훈련 등이 있다. 특히 그의 저서 ‘색채의 예술’ 에서는 색채의 주관적 경험과 객관적 원리를 화가들의 경험과 직관에 바탕을 두고 연구하여, 미술교육과 미술치료의 이론적 바탕에도 영향을 미쳤다.
또한 바우하우스의 교수였던 칸딘스키도 1921년의 그의 저서 ‘예술에 있어서 정신적인 것에 대하여’에서 관찰과 감정체험의 중요성을 강조한다. 그는 자신의 경험을 토대로 하여 조형의 기초를 이론적으로 제시하며, 회화가 자기 자신을 표현할 수 있어야 한다는 것을 항상 주장하였다. 칸딘스키에 있어서 예술은 내적인 요소와 외적인 요소의 조화로운 결합이며, 예술가의 내적인 힘이 예술작품의 형식을 결정한다. 특히 그는 색채와 형태는 심리적, 정신적, 육체적 영향을 준다는 것을 합리적이고도 분석적으로 제시한다. 또한 그는 미술은 다른 감각과도 긴밀한 연관관계를 가지고 있다는 것을 음악, 시, 무용, 연극 등의 매체를 통하여 알 수 있다고 하며, 예술가들의 통합적 상상의 중요성을 주장한다. 이러한 주장은 바로 미술치료에서 중요하게 여기는 논거가 되며, 다른 예술과의 통합적 예술치료를 고찰하게 한다. 또한 이러한 관찰과 직접적 경험에 따른 미술적 표현의 강조는 미술교육과 교수법에 영향을 끼쳤으며, 이러한 방법을 미술치료에도 적용하여 개발할 수 있는 데 도움을 주었다고 할 수 있다.
20세기에 들어와서 미술교육은 조형활동을 통한 심리적, 치료적 방향의 모색을 적극적으로 시도하였다. 그로부터 아동화가 미술교육가들뿐만 아니라, 심리학자와 의사들에게도 많은 관심을 받게 되었다. 교육적 관점에서는 그림을 그리는 과정에서 아동이 표현력을 높이며 자신감을 갖도록 장려하는 방법을 중요시하게 되었다. 이는 어린이가 자신의 내, 외적 경험을 표현하는 데 방해받는 것을 제외시키고 전의식의 내용들을 자극하고 정서적 내용을 표출할 수 있는 여지를 주는 것이다. 이러한 목적을 위해서 아동들이 다양한 미적 재료를 이용하여 정서적으로 해방된 느낌을 표현할 수 있는 기법들이 개발되었다. 예를 들어 난화를 그리거나 색을 뿌리는 방법, 젖은 종이에 색칠하기, 콜라주 등이 그에 해당하는 기법들이다. 이러한 기법들은 자유스럽고 해방감을 주는 활동 자체에 의의가 이을 뿐만 아니라, 이러한 활동을 변형하거나 재해석하기 위한 목적도 포함되어 있다.
미술교육자들은 아동과 청소년들의 미술표현뿐만 아니라, 그들의 창의력에도 관심이 많아졌다. 대표적으로 ‘예술을 통한 교육’ 의 저자인 리드와 ‘창의성과 정신적 성장’을 집필한 로웬펠드의 영향이 60년대까지 이어졌다. 이들은 20년대의 듀이의 사상에 영향을 받아 예술을 보고 생각하고 느끼며 창의적인 인간본질을 발전시키는 수단으로 보았다. 여기에서 “아동중심”의 활동구상이 이루어졌다. 이러한 관점들이 아동과 청소년의 미술치료에 적용되었다.
2차 세계대전이 지난 후에 예술가, 미술교육자, 미술치료사들을 통하여 조형의 과정을 중시하는 경향이 새로이 전개되었다. 이들은 완성된 작품의 미적 가치보다는 그림을 그리는 행위자체를 더 중요시하였다. 액션 페인팅의 화가인 폴록의 물감을 떨어뜨리는 기법이 대표적 예이다.
미국의 미술교육자인 코헨과 게이너도 미술교육에서 미술활동과정을 통한 아동들의 표현과 그들의 사고아 정서 및 감정을 중요시하였다. 이들 미술교육자들은 아동들의 미술적 이해뿐만 아니라, 자신의 개성을 발견하고 자신감을 얻

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